Grotesco criollo en esta nueva forma de la crisis, Los rotos.
Con usura ningún hombre puede tener una casa con buenos
cimientos
Cada piedra cortada pulida y bien engarzada
Cuyo diseño sea protector
Con usura
Ningún hombre puede tener un paraíso pintado en los muros de
su iglesia
Harpes et luz
O un lugar donde la virgen reciba el mensaje
Y el halo se proyecte en una incisión,
Canto XLV : Con Usura Ezra Pound.
Así con una adaptación libre de estos versos se enciende el
espacio y el tiempo en el cuál “Los rotos”, van a moverse.
La primera impresión del espacio es la de paredes sólidas y
grises, la de un tiempo indeterminado en la madrugada.
Pero hay quizás dos cuestiones por fuera de la escena que
nos deberían advertir, la clave del pacto para ver esta obra, una es la versión
libre del poema De la Usura, una que
trabaja en principio sobre la traducción y aggiornamento del texto monumental
de Pound, entonces estamos ante una apropiación.
La otra es la que el mismo programa delata:
“Grotesco
fantástico, lo llamamos.
Como sea…
Dentro de lo que se pudo, hicimos lo que se nos cantó”.
Ahora que el pacto ha quedado realizado se encienden
suavemente las luces.
Grotesco en breves palabras.
El grotesco criollo nace en medio de la crisis en Argentina, durante la década del ’30 signada por las olas inmigratorias, el clima de
desesperanza, desarraigo, aislamiento de los europeos que venían sus sueños rotos en este país, migraciones internas de la gente del interior a la gran ciudad que desbordan el
paisaje de los conventillos.
El grotesco está emparentado con la risa, con lo trágico, suele
mostrar personajes quebrados física, moral, intelectual… Son obras en su mayoría
corales.
Retratan la conjunción de clases a partir de personajes
esquemáticos.
“Luis Ordaz sostiene que los personajes del grotesco
“presentan una imagen risible, pero hurgando en ellos, se descubren las
entrañas en carne viva por motivos diversos, en los que siempre se observa una
desubicación, que a la postre, resulta grotesca. No se trata ya de la alternancia
de la risa y el llanto, estamos ante la fusión de máscara y rostro de un
personaje que es capaz de reír y llorar al mismo tiempo”. Y luego agrega: “José
María Moner Sáenz indica que el grotesco aparece cuando el individuo quiebra la
unidad de carácter y queda en evidencia el dualismo de vivir y verse vivir”
Este es el andamio con el cuál Ajaka construye unos personajes
entrañables.
La obra transcurre en un no lugar, "Punta esquina", sitio de encuentro en la que un kiosco cumple las veces de confesionario, de panóptico
y de centro de la ley.
Dice el programa “De sol a sol los rotos pasan” y es ante
ese deambular frente al que nos encontramos, idas y vueltas que tejen conflictos,
algunos se resuelven con mayor éxito que otros.
Algunas entradas agregan tensión dramática y otras no hacen
más que remarcar el mundo en que se vive, inmigrantes, carne, deseo por la
carne en la comida, en el cuerpo.
La comida que se desea se compra, se espera, se nombra como
una salvación una intromisión de marcas como una oda a la usura frente al
personaje que menos tiene.
Cuerpos en tensión y conflicto, que son deseados, muertos,
abarrotados por el hambre, rotos, absolutamente deformes y rotos sobre todas
las cosas.
Un futbolista que es rengo, un rapero que no puede hablar de
corrido, una travesti que aparece golpeada y ebria, pero se recompone con cotidianidad desea ser madre y es centro de una disputa amorosa, una hija deseosa de poder
asumir su identidad como hombre bajo la ley de un padre, una hija con el cuerpo
al borde, una madre que teje y desteje el adentro y el afuera entre la villa y el barrio.
Una estrella de la tele que va a comprar la droga barata, un
narco menor ,con un peso en esa esquina en la que maneja su propio código.
Cuerpos de la Usura como si se hicieran eco de esa segunda
definición que el diccionario le da
“Uso con desgaste de una cosa”.
En ese límite en que la iluminación no recorta, no
embellece, sino que muestra de manera cruda, en ese ir y venir. Los rotos
logran un retrato de la crueldad, de la crisis actual, de esa mezcla entre los
mundos que sucede en una esquina, en un sitio límite.
Los rotos tienen su propio código uno que es de una
humanidad arrasadora, antihéroes que esconden los delitos, la pérdida de uno de
los personajes mejores llevados adelante con una gran actuación y una destreza
corporal envidiable, la llegada de bebe.
Todo eso pasa, en dos horas en los que estamos viendo el
pasar de estos personajes.
Desde ahí mismo en un acto que Brecht hubiese amado uno de
los personajes se pregunta
¿Sirve todo esto? ¿Sirve contarlo? ¿Sirve mostrarlo? Nada de
esto va a cambiar.
Y uno se va con la sensación de estar ante el aprendiz de Discépolo,
ante una obra que tiene un trabajo actoral sólido, con una puesta intensa.
Destacable la actuación de Fernando Contigiani García, quien ya había sorprendido en Parias.
Un texto que se defiende solo a partir de la definición del
género lo cual no es poca cosa.
Algo que debe
necesariamente tener el teatro, esa subida de tono de la realidad y de la
ficción un engarce delicado para que algo quede resonando siempre en el cuerpo
del que mira.
La obra se da de jueves a domingos en el centro cultural general San Martín, la entrada es accesible y es completamente recomendable.
¿En qué consiste una obra de
teatro? Esta es básicamente la pregunta que articula cualquier abordaje de un
arte tan complejo.
¿En una puesta en escena? ¿En la
conjunción de la plástica, de la música, de las luces? ¿En la actuación? ¿En
la eficacia de la dramaturgia?
Bueno, la respuesta es en todo eso.
Quizás por eso cualquier abordaje
de estas cosas en sí mismas, hacen agua, también hacen agua las puestas
hermosas con actores/ actrices descuidados, buena iluminación, pero sin que
entre en el código y por sobre todas las cosas un texto que no diga nada.
Decir es conmover, mover hacia… Poner
en funcionamiento del espectador, espectadora, una línea directa de conexión
con lo emotivo, lo sensible, eso que al salir del teatro sigue estando en el cuerpo
que vio, aunque el fenómeno haya sucedido.
En esta oportunidad, interesa pensar
un asomo de poética propia en las obras de Fabían Diaz.
Empezando por “Amar, amar, amar”. Qué se reestrena el 3 de agosto.
Federico García Lorca dice en sus
conferencias sobre el teatro:
“Para
los poetas y dramaturgos, en vez de homenajes yo organizaría ataques y desafíos
en los cuales se nos dijera gallardamente y con verdadera saña: "¿A que no
tienes valor de hacer esto?" "¿A que no eres capaz de expresar la
angustia del mar en un personaje?" "¿A que no te atreves a contar la
desesperación de los soldados enemigos de la guerra?". Lorca García, Federico. http://usuaris.tinet.cat/picl/libros/glorca/gl001201.htm
El
entramado que parece exponer la dramaturgia de Diaz pareciera hacerse eco de
ese desafío de Federico, expresar en los personajes los lugares imperfectos de
las pérdidas, las nostalgias y los resabios de la guerra, pero sin descuidar la
escritura que se enlaza para hacer actuar.
amar
amar amar
Dice
Roland Barthes, en fragmento de un discurso amoroso.
" Desollado. Sensibilidad especial del sujeto amoroso que lo hace
vulnerable, ofrecido en carne viva a las heridas más ligeras".
De heridas parecen andar los personajes de amar amar amar ,
metidos hasta los huesos, el uno en el otro.
La obra despliega la trama sin perder la poesía por ningún sitio.
Se escuchan reminiscencias de Pedro Páramo, de las leyendas populares,
reminiscencias del Amor Fugit, esos seres amantes en la puerta del infierno.
Las actuaciones se mezclan en una verdadera panacea, de sensaciones.
¿Dónde
estamos? Pareciera ser la primera pregunta que atravesamos como espectadores/
espectadoras, de la obra. La puesta minimalista, ningún indicador que nos
devele un espacio tiempo, que no sea el elemental.
La
palabra entonces construye ese sitio, construye el río, la sequía, el desierto.
Pero
por sobre todo construye la imposibilidad del encuentro.
Los
personajes se mecen desde un presente de enunciación a otro, con gran docilidad
de los cuerpos y los monólogos demuestran para qué sirven en la simplicidad con
que se entrelazan, se encuentran, se rozan, pero no se encuentran, exactamente
igual que los personajes.
Fabían
Díaz construye un enamorado que pierde la edad y se vuelve toda sensibilidad,
un cuerpo que por momentos parece no tener peso.
SI quizás hay momentos en los que se necesita
que el personaje se aquiete y cargue, para poder disfrutar mejor el texto, para
poder percibir los matices.
Si pudiera detener su cuerpo para cargar más
el texto antes de decirlo sería posible paladear su poesía con el peso que
tiene.
Lo
secunda Gabriela Pastor, quién tiene la compleja tarea de hacer balance y sobre
peso sin quedarse por fuera. Con una actuación, aplomada, una tonada deliciosa que no satura, se sumerge en el texto y en la experiencia y sale ilesa.
La
música es quizás lo que suena fuera de registro para el texto, por momentos tapa
la voz y genera un ruido que no deja disfrutar, lo que se dice.
Pero
¿Acaso no le pedimos al teatro, que nos increpe y sorprenda?
La
dirección está a cargo de Manuela Mendéz.
amar
amar amar, es de esas obras que parecen sencillas de transitar, pero no lo es.
Los
personajes cuentan la travesía de encontrar el amor, de sobrevivir al amor,
pero el detalle es la muerte.
Ninguno puede darse como posibilidad de alivio
y de vida, en ese sentido todo encuentro es una nueva perdida.
Y
todo el texto fuera del tiempo y del espacio, se vuelve personal. Tan personal
como la puesta en escena.
Retomando
a Lorca: “Todas las artes son capaces de duendes” y esta obra pareciera tener
esa bendición buscada.
El
encuentro de la emoción a través de un texto hermosamente logrado y una puesta
en escena reveladora incluso desde sus rupturas.
Hablar
de esta obra es hablar sobre lo escrito y descripto hasta el cansancio, pero necesario
de mención.
La
obra responde sola las preguntas con que se abre esta reflexión, impone su propio
criterio.
"Acá
empieza todo", dice el personaje que interpreta Iván Mosher, o uno de
ellos, pero todo empieza antes, mientras lo ves en la penumbra avisarte que es
teatro, que va a actuar, que es ficción y como tal ese umbral se muestra y te
invita al pacto inmediato e inminente.
La partitura vocal de Mosher pone todo, los medios, la perrada, los hombres y
mujeres que forman parte ese universo y que se paren unos tras otro desprendido
del cuerpo del actor, de sus manos, de sus ojos, de sus piernas, de su
estómago, es uno y es mucho.
Hay una pregunta que sobrevuela, que no tiene respuesta y que quizás si la
tuviera nunca sería la respuesta que se busca, hay una desazón particular que
es colectiva y un dolor que te atraviesa el cuerpo.
" Nos crecen ramas" dice el texto y el actor está tan presente, tan
anclado en el escenario que es imposible no verlo, no sentir el aroma del
monte, el sabor de las frutitas de tutiá.
El texto da información sin perder la poesía, obliga a tránsitos que arrastran
y el espacio es todo, cajones donde se guardan cucharas, fotos, las fosas de
Malvinas, los colores del monte, el imán del monte, de ese espacio inmenso,
macho constrictor, natural hasta los huesos. El monte en que los hombres van a
cazar y a perderse. La iluminación es acertada recorta y anuda.
En definitiva, una estética puesta al servicio de que nos vayamos del mundo
para vivenciarlo como si le hubieran subido la intensidad de golpe, así dirige
Fabián Díaz esta obra que también es de su autoría.
La palabra construye en teatro ( como en la vida) el universo en el que nos
movemos y Díaz lo pone a funcionar muy bien, el trabajo vocal de Mosher es
preciso, la velocidad le quita toda posibilidad de caer en la demagogia al
texto, cada textura de la palabra es diferente y los acentos están tan bien
tejidos que es posible percibir las diferencias de cada uno de los personajes
que habitan en Mosher.
Los hombres vuelven al monte me trajo (ahora me doy cuenta) aquella vez
,que vi teatro por primera vez, aquella confirmación de que la belleza es
posible, que somos portadores de esa capacidad en un cuerpo, en un ser humano,
en las palabras.
Cierro los ojos para llevarme el ritual adivinado de Mosher antes de no ser él
sino todos elles, cierro los ojos para guardarme esa mirada con que nos mira,
algo así como diciendo " Acá empieza todo"... A partir de ahí una
trompada, una caricia, una sonrisa, una bronca, un dolor un cuchillo apoyado en
el cuello, un guasuncho, un monte que se incendia...
En definitiva, Díaz toma el guante lanzado por Lorca, explora y transmite, provoca con la poesía de su dramaturgia y sabe secundarse de secuaces.
La pregunta a qué es una obra de teatro, siempre debería tener como respuesta: el arte de saber rodearse de las personas adecuadas para conmover y entretener.
Vestida como una clásica figura travesti, vestido ajustado de leopardo, una vincha con los colores de la bandera de la diversidad, el
personaje Copi.Dice:
“Por
ejemplo, hace poco hice un dibujo, aburriéndome un poco, sobre la historia de
una monja. La pequeña monja le dice a su madre: “Me han vendido a un convento
en la India”. Y en eso trabajo con los lugares comunes, hay por ejemplo un
lugar común según el cual todas las monjas son putas, entonces yo trabajé con
eso porque está fresco en la imaginación de todo el mundo, pero tampoco hablaba
de la actualidad exactamente. Eso es inevitable en un sentido, creo que es algo
que está muy claro, no hago una crítica de la burguesía, hay simplemente
ciertas cosas que me fascinan, de las cuales no puedo salir, y son ciertas
relaciones entre la gente, es todo. Hago la misma cosa en el teatro. Que es un
nivel burgués, es evidente, no es un arte subversivo ni revolucionario, quiero
decir que no digo que los burgueses sean cerdos y que debemos matarlos,
¿entendés? Digo simplemente a un nivel burgués hay esto que es ridículo y esto
que es idiota o esto que está muy bien, o hay esto que me cansa. Simplemente
hago como una inspección de ciertas cosas, siempre en el interior de la
burguesía porque ¿qué otro publico tendré yo, ¿no?” https://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/soy/1-2292-2012-01-20.html
La dramaturgia de ese intermedio es una recopilación
de entrevistas a Copi, la presencia de Cachafaz, el tango, el cliché de lo
uruguayo y lo porteño.
Mientras tanto delante nuestro, las mujeres de los celulares
no paran de hablar, de mandar wp, de estar incomodas, quizás porque el
homosexual o la dificultad de expresarse, no escatima en palabras como “pija” “coger”
y esa incomodidad que provoca lo transgénero cuando no estás haciendo una desconstrucción.
El personaje habla a público, lo usa para reírse, canta
boleros sincronizando los labios, el cliché almodovarezco por excelencia.
“(…)
el drama queen tan asociado al camp, pero hay también una serie escénica que se
vislumbra a partir de la estética trans que comienza a emerger y que hallaría
en el teatro de Copi su invención, a la par que se reformulan o reinventan
ciertos procedimientos artísticos. Pensemos, entonces, en el cine de Pedro
Almodóvar que empieza en los años ochenta (y he aquí a La Lupe universalizada,
al ser incluida en sus bandas sonoras) o, en el caso argentino, las
experiencias teatrales de Batato Barea, Alejandro Urdapilleta y Humberto
Tortonese, que terminan popularizándose por la televisión en el programa de
Antonio Gasalla.” Gaspari, Javier.Copi
ataca de nuevo, ( Sobre la obra de Copi editada por Cuenco de Plata).Cuadernos de literatura, Junio 2014.
Pero la energía del actor no alcanza, no imanta, ni a la
diversidad que debería estar en la sala, pero falta, porque quizás es el teatro
oficial y los pre juicios van y vienen, porque quizás el título avisa de discursos políticos , porque quizás el hábito burgués de la diversión cuando estás
sobreviviendo no cuenta.
Las señoras se distraen en la incomodidad, pero también
distraen a quienes estamos ahí haciendo pacto tratando de acomodar este personaje,
en la maraña de las dos obras y tratando de asentar lo que la obra anterior nos
dejó.
El reto es inevitable, hacer callar, pedir y exigir respeto y que se apague el celular… Pienso entonces ¿Para qué público enuncia Copi?
Para estas señoras que en otra época quizás ni siquiera lo hubieran ido a ver,
porque el teatro oficial no ponía estas obras.
Enuncia para los pibes, pibas, pib@s que cruzamos en las
escaleras con cuerpos que no dejan leer su sexualidad. ¿Cómo viviría este
presente él ,que parece haber estado espiando el futuro? Ud siga burlándose de
un tipo vestido de mujer, señora del celular, mientras tanto la realidad la
está pasando por encima.
Después de este paréntesis que me permito porque uno lee las
obras, desde el tiempo en que la recibe. Me pregunto si tal vez el hecho que el
director resida en Francia o que sea un teatro oficial no ceja la posibilidad
de jugársela que se vislumbra, la necesidad de ir a fondo con ese personaje que
no llega, que se queda en los cliches más básicos.
El cierre es el aviso de Copi diciendo que a Eva la
interpreta un hombre porque quiere acentuar lo monstruoso del cáncer.
Inevitable no pensar en las veces que, una mujer en el poder
es construida con una sexualidad masculina y se le reprocha cualquier
femineidad.
Ya advertidos, advertidas, advertid@s, sobre desde donde
enuncia Copi, con las señoras calmadas a la fuerza entramos a la segunda obra,
quizás la más esperada por mi acompañante y también la que más suspicacias
despierta. Leer un personaje como Evita, lleva a muches a decir que está obra es " Facha y retrógrada". También el hecho de que durante las proyecciones se deje en evidencia el anti peronismo de Copi. No es un dato menor, pero hay muchas otras cosas, en esta obra, muchas otras maneras de leer al nieto de Botana. A veces hay que correr los riesgos de leer más allá de nuestras propias convicciones.
-
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Eva perón.
Nos enfrentamos a un escenario despojado, a los elementos
necesarios, a telones y cortinas que forman capas velan o descubren.
Una cama, el ajuar de Eva, su vestido blanco en el piso, dos
puertas que recuerdan a las comedias de enredo.
Los colores negros, blancos, el metal de la camilla en la
que llevan a Eva, transportan el cáncer.
La madre de Eva y Evita protagonizadas por dos actores varones que inmediatamente
empiezan a accionar desdibujan su condición de vestidos de mujer, para ser
mujeres posibles.
Ibiza sostiene el contrapunto con Eva en esta obra
construida con una trama policial en la cual todos, según Eva, son culpables de
provocar su cáncer.
El personaje esencial es el de la enfermera, la actriz
construye ese personaje con tan pocos elementos que parece siempre sombra, siempre
algo que se puede diluir hasta que en el gesto final se transforma.
El personaje que carece de energía, que se desdibuja es
Perón, hay una construcción del texto que lo pide así:
“PERÓN:
Eva, quisiera que me escucharas un momento. No voy a presentarme a elecciones.
Abandono el poder.
EVITA:
Dejá de decir boludeces. ¿Por qué?
PERÓN:
Porque ya no soporto ningún sufrimiento. Ni siquiera tolero tu muerte. Estoy
vacío. Hace mucho tiempo que sufrís en mi lugar, y eso me permitía gobernar.
Cuando ya no estés, no habrá nadie en el poder. Hasta si me volviera un viejo
reseco podría comprenderlo.
EVITA:
Dejá de decir boludeces. En unos días se te va a pasar. Dejá de decir
boludeces, cretino; hay que esperar, ya va a pasar. ¡Pero mirá vos! ¡Te queda
muy bien! “
Aún así hay que tener en cuenta la diferencia entre un personaje
débil y una actuación carente, en este caso hay una intención de
despojarlo desde la puesta.Lo que
sucede es que esa fuerza no condice con el texto final de Perón.
Los actores sostienen con una mixtura de estéticas, la obra,
después que los espectadores, las espectadoras , pasamos por por la alta exigencia de la anterior y quizás porque
estamos completamente advertides de todas las lecturas posibles nos atrapa con
mayor ferocidad.
Seguimos la intriga sin problemas y es fácil saber que habla
el cáncer, que habla la persona que cerca del poder teme a morir y que piensa
en la posibilidad de salvarse.
En ese caso ¿Importa qué sea Evita? Si, claro porque Eva
muere cuando Copi tiene 11 años y ve construirse el mito, porque Copi enuncia
al peronismo como una dictadura.
Pero algo, pese a él, aparece ahí una línea que unirá al
personaje de Evita para siempre con la comunidad gay. (Es casi imposible no
pensar en Madonna, en su calidad de bandera de la diversidad, obnubilada por el personaje Evita)
Algo de esa mujer trasgrediendo todas las posibilidades, de
géneros y clases, saliendo de ser pobre a primera dama, de su gusto por la pelea y de su " madrazgo" de los desposeídos se cuela como agua .
Hay un equívoco venturoso que nunca se corrige, Copí dice
que Eva es presidente de la Nación en una de las entrevistas que se pasan y en
la misma dice que Eva está por tomar el poder.
Una sospecha de que es Eva en realidad detrás de Perón
orquestando el poder, una referencia a Lady Mcbeth, inevitable que quizás hace
un guiño cuando Ibiza le dice a la madre de Evita
“Usted es Shakesperiana”.
La joya el pequeño monólogo que Eva hace acerca de la
soledad.
“EVITA:
Ustedes me dejaron caer sola hasta el fondo del cáncer. Son unos turros. Me
volví loca y estaba sola. Me ven morir como una bestia en el matadero.
Permitime, quiero estar con vos, no tengas miedo. Me volví loca, loca, como
aquella vez en que hice entregar un auto de carrera a cada puta y ustedes me lo
permitieron. Loca. Y ni vos ni él me dijeron que parara. Hasta mi muerte, hasta
la puesta en escena de mi muerte debí hacerla completamente sola. Sola. Cuando
iba a las villas miseria y distribuía fajos de billetes y dejaba todo, mis
joyas y mi auto y hasta mi vestido, y me volvía como una loca desnuda en taxi
mostrando el culo por la ventanilla, me lo permitieron. Como si ya estuviera
muerta, como si yo no fuera más que el recuerdo de una muerta. Eso era lo que
quería decirte, viejito. Sos muy linda ¿sabés? Tenés un cabello hermoso... No
hay que teñirlo ¿eh? A la larga es malo para el pelo ¿sabés? Dejame hacer, amor
mío, permitime. Dame, Ibiza.”
Leer esto en relación con el
homosexual es inevitable, a Copi lo conmueve la soledad, le conmueve lo
marginal. Empuja y deja al descubierto la idea de montaje, la vida es un
escenario, el poder es un teatro, el miedo a la muerte y a la soledad provocan
teatralidad, drama.
Este dramaturgo que se denomina a
sí mismo heredero de Laferrere y Florencio Sánchez, un artista del mundo. Este
ser parece haber vislumbrado el futuro.
“El
español argentino es una lengua que cambia todos los días, cambia
constantemente. Si tuviera que traducir una de mis piezas escritas en francés
al español argentino, me costaría, no sabría hacerlo, porque ya no conozco la
lengua. Quiero decir, hay diferentes lenguas, que pertenecen a diferentes
clases.”
Copi parece entonces un
adelantado, un previsor de estas discusiones actuales, así cuando Evita dice:
“EVITA:
¡Pero qué cagada, carajo! ¡Qué lástima que no estoy ahí! Si estuviera ahí haría
un discurso desde el balcón. ¡Qué lástima! Sería grandioso: mi mejor discurso.
¡Mierda, qué fiesta me perdí! Hubieran salido todos a la calle, estarían en la
plaza, millares aclamando, gritando como locos. Les hubiera dado la jubilación
a los cincuenta años y el aborto gratis. ¡Les hubiera dado todo, todo, todo!
¡Pero qué lástima, carajo! Yo creía que iba a estar muerta hace una semana. “
Se sospechauna adaptación acorde con el momento, pero
no, ahí en la dramaturgia original Copi está reclamando lo que se reclama desde hace tanto tiempo a los gobiernos de corte más popular, las libertades individuales y sobre todo de las mujeres.
Del voto femenino, al aborto
legal, un solo paso.De la ley de
género, del matrimonio igualitario, de las conquistas de “los marginados” al aborto legal
un paso.
Se estrenó en el teatro de l'Épée
de Bois, en marzo de 1970, con el gurpo TSE, puesta en escena de Alfredo Arias,
escenografía de Roberto Plate, vestuario de Juan Stoppani y las actuaciones de
Facundo Bo, Marucha Bo, Philippe Bruneau, Jean-Claude Drouot y Michéle Moreti.
Imágenes de la puesta actual en el teatro Cervantes.
Ficha de Obra Con Marco Antonio Caponi, Carlos Defeo, Rodolfo de Souza, Hernán Franco, Juan Gil Navarro, Gustavo Liza, Rosario Varela
Asistente de escenografía Martina Nosetto
Asistente de vestuario Laura Copertino
Asistente de iluminación Facundo David
Asistente de sonido Franco Amorosino
Producción Silvia Oleksikiw
Asistente de dirección Ana Calvo
Traducción El homosexual o la dificultad…Joani Hocquenghem Eva PerónJorge Monteleone
Música original Etienne Bonhomme
Iluminación Bruno Marsol
Vestuario Renata Schussheim
Escenografía Oria Puppo
Dirección Marcial Di Fonzo Bo
Coproducción con la Comédie de Caen, Centre Dramatique National de Normandie, Francia.a de Obra
Qué el teatro Nacional Cervantes, decidiera llevar adelante la
puesta en escena de dos de las obras de Copi, “El homosexual o la dificultad de
expresarse”, “Eva Perón”, desde la curiosidad hasta resquemor provoca todo.
Pareciese imposible dividir con respecto a la experiencia
teatral el gusto, el placer, el entretenimiento y está muy bien que así sea si
pensamos que aún Brecht con su teatro político lo que pide una y otra vez es
que sea entretenido.
Ver dos obras seguidas de Copi, se inscribió para mí y mi
amigo en la experiencia Copi… Una
atención captada, una hora de suspensión del mundo exterior (Si no fuese por
las mujeres que delante nuestro no paraban de hablar y de revisar su celular)
No así con el público adolescente y muy joven de quienes esperaba esa reacción,
pero no, el nieto de Salvadora Medina Orrubia, parece siempre joven, siempre
ahí provocativo, siempre encajando un golpe a la mentalidad burguesa.
Copi. El padre/ madre de la experiencia.
Raúl Damonte Botana, nace el 20 de noviembre de 1939 y muere
en París en 1987, historietista, escritor y dramaturgo (Alguna vez habría que
pensar por qué se diferencia dramaturgo de escritor)
Hijo del periodista
Raúl Damonte Taborda, nieto de Natalio
Botana, Salvadora Medina Orrubia, estos datos bastan para hablar de su exilio
durante el Peronismo.
Fue actor también y
se nota en sus obras, escribe para que como actor/ actriz lo que se encuentre
ahí sean personajes muy al límite, deliciosos de interpretar, con una fuerza
abismal.
De muchas de estas cosas nos enteramos los espectadores /
las espectadoras y la amplia diversidad que parece invitar a derribar la
teatralidad como en un efecto barroquista, por un personaje que monologa en el
intermedio entre una obra y otra.
Una decisión de puesta que, si bien nos acerca al autor,
carece de ritmo, se extiende demasiado, adquiere interés cuando Copi se mete en
escena y los tramoyistas, barren el escenario, arman, desarman… Se mueven con
sus ropas de trabajo, casi en una coreografía.
Ese personaje perdido entre ellos es una perla que se escapa
en el afán de dejar en claro quién es Copi y desde enuncia Eva Perón, como si
de antemano aclararan que la obra no se para de un lado u otro de la grieta…
Para mí una aclaración absolutamente innecesaria, basta seguir con atención la
obra para entender que habla el cáncer.
Como dice Jorge Monteleone, “explicar a Copi es postergarlo
otra vez: el arte de Copi acontece”.
Esa frase debería relucir y dejar a Copi acontecer en la puesta misma, en la experiencia.
--
El Homosexual o la dificultad de expresarse.
Al leer esta obra se tiene la misma sensación que se tiene
frente a Sara Kane, es hermoso esto pero ¿Cómo lo pongo en escena?
Acá parece haber una lectura posible, una puesta en escena
que descoloca.
En la escena la estepa siberiana se reduce a espacios
blancos y portones de acero, a personajes con piel y una débil absolutamente falsa
y sin ninguna intención de ser otra cosa nieve de Telgopor que cae. Personajes
vestidos de negro, dos armas de fuego, el sonido de los lobos.
El artificio teatral que avisa que es artificio no pretende
otra cosa, el teatro es simulacro, Copi pone a vivir en esa estepa Siberiana a
personajes travestis, cuya dificultad es la expresión.
¿Qué sexo tienen y por qué? ¿A quiénes aman y por qué? ¿Qué
están haciendo ahí?
“MADRE:
Conozco bien la clase de mujer que es, señora. Ella no irá nunca más a sus
clases de piano. Termine su mirabelle y váyase.
GARBO:
Señora Simpson, amo a su hija.
MADRE:
No es una chica para usted, señora Garbo.
GARBO:
¿Por qué, señora Simpson? Dígame por qué.
MADRE:
Mi hija no es una burguesa, señora. Arrastramos un pasado oscuro. GARBO: A mí
también me operaron en Casablanca, señora Simpson. Tengo un sexo de hombre.
MADRE:
No es posible. GARBO: Toque.
MADRE:
¿Y el oficial Garbenko?
GARBO:
Me operaron a los dieciséis contra mi voluntad. MADRE: Mi hija y yo cambiamos
de sexo por voluntad propia, señora. Ahora, buenas noches.”
Las preguntas se abren y no se cierran, los
personajes están y no avanzan, Irina ese personaje hermoso que sirve para echar a andar la intriga
lacera su cuerpo, se auto castiga.
La actuación de ¿Dónde se agarra? En esta puesta, el director
parece haber encontrado la clave en el melodrama, en los estereotipos de femineidad
de los travestís de la década del ’40, en la exageración de los cuerpos.
La palabra de los textos van cobrando esa fuerza del
absurdo, qué se dice hasta vaciarse y en cualquier caso la pregunta es ¿Importa lo que se dice? o lo apenas
disimulado en el barullo de los textos, que los personajes están solos, solas, sol@s
, desesperados de exilio y de amor.
Helados, incomprendidos, añorando una libertad imposible una posibilidad
dónde lo exótico tenga lugar.
El trabajo corporal
de los actores y actrices tiene ese peso. Esa deformación, esa animalización
que sucede casi sin que los espectadores, las espectadoras nos demos cuenta.
Celebro particularmente esta lectura y la puesta en escena de esta
obra en un teatro oficial, realmente necesaria en estos momentos en que discutimos temas como la
sexualidad, el lenguaje inclusivo, la referencialidad de la palabra y de los
nombres.
El Homosexual o la
dificultad de expresarse, fue estrenada el 5 /de Diciembre de 1971 en el Théátre
de la Resserre de la Cité Internationale (Cité Universitaire de Paris), puesta
en escena de Jorge Lavelli asistido por Hortense Guillemard. Elenco: Copi,
Raymond Jourdan, Marianne Eggerickx, Jacques Maire y Jacques Coutureau.
Las imágenes corresponden a la puesta actual en el teatro Cervantes.
Con Marco Antonio Caponi, Carlos Defeo, Rodolfo de Souza, Hernán Franco, Juan Gil Navarro, Gustavo Liza, Rosario Varela
Asistente de escenografía Martina Nosetto
Asistente de vestuario Laura Copertino
Asistente de iluminación Facundo David
Asistente de sonido Franco Amorosino
Producción Silvia Oleksikiw
Asistente de dirección Ana Calvo
Traducción El homosexual o la dificultad…Joani Hocquenghem Eva PerónJorge Monteleone
Música original Etienne Bonhomme
Iluminación Bruno Marsol
Vestuario Renata Schussheim
Escenografía Oria Puppo
